Duane Michals “La fotografía como texto”

 

"La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Nunca me ha interesado la calle, no creo que ahí afuera ocurra nada interesante. Al contrario que otros colegas, yo no me he paseado jamás con la cámara a cuestas para captar una instantánea. A mí, sobre todo, me interesan las emociones y los sueños. Lo que pasa en la calle actualmente es demasiado estúpido como para prestarle atención".

 

Fabrica la realidad antes de mostrarla subjetivamente, cuando Michals toma la cámara para dejar la publicidad de lado, se apodera de él el impulso de la intriga, y la inspiración para hacer de la fotografía la visión de sus sueños, temores y deseos. Empleando la técnica de la doble y triple exposición, y escribiendo textos o pintando directamente sobre el papel fotográfico. Michals consigue un estilo entre lo surreal y lo cinemático. No en vano, tiene entre sus ídolos y fuentes de inspiración a Magritte, De Chirico y Balthus, a quienes se ha encargado también de inmortalizar con gelatinas de plata. Fue muy criticado en los 70 por demostrar que la fotografia era un medio para fijar relatos muy interiores en vez de objetos bellos. Su serie Sequences de finales de los sesenta y principios de los setenta contiene dos de sus aportes más reconocidos e importantes a la fotografía. Es un trabajo con secuencias de imágenes (entre 5 y 15 por obra).

 Con la sucesión de imágenes que constituyen una secuencia, Michals consigue desarrollar discursos sobre todo metafísicos, apoyándose en escenarios desnudos. A quienes le han acusado de servirse de esta técnica para desfogarse de su deseo de hacer cine, Michals les responde que las fotosecuencias son al cine lo que la poesía a la novela: una sintaxis completamente diferente. Su trabajo ademas de ser influenciado por el surrealismo tambien fue por el budismo Zen. A René Magritte lo fotografio varias veces. Fue una serie realizada en una visita de varios días a su estudio en Bélgica. La incisiva mirada de Michals penetra en el ámbito privado del famoso pintor dando como resultado una extraordinaria sintonía visual con el universo personal y simbólico de Magritte. Sus imágenes tratan de fantasias eroticas, humoristicas, muchas veces violentas,de ocurrencia espontánea, utilizaba luz natural y muy poco equipo tecnico. En ocasiones sus imágenes son borrosas que insinuan historias fantasmales, espiritualidad, enfatizaban lo oculto, lo misterioso.  

¿Eres el artista del siglo 21?

La pieza “¿Eres el artista del siglo 21?” consiste en un test virtual, un “multiple choice quiz”, en el que a través de diez preguntas, se invita al espectador a un recorrido en el que marcar una opción (de entre tres) como respuesta a cada una de las interrogaciones formuladas. Mediante la asignación de valores a las contestaciones marcadas y tras la realización del cálculo oportuno se obtiene una solución, que desvelará si el participante es o no el artista del siglo 21.

 Este cuestionario interactivo está inspirado en los test de preguntas que se utilizan en las revistas de moda. En ellos, a través de la realización de una serie de cuestiones de apariencia superflua e inocua se pone de manifiesto cómo el mundo actual nos acaba reduciendo a todos y cada uno de nosotros a un mero estereotipo. Al fin y al cabo no somos más que consumidores estereotipados por nuestros propios hábitos de consumo.

Para hacer el test: www.artistasiglo21.net

Hindemith

En la Alemania de los años '20, fue el más expresionista de los expresionistas, compuso obras con títulos tan bonitos como Asesino, esperanza de mujeres, Sinfonietta en broma o La muerte muerta y terminó una ópera con una monja desnuda frente a un crucifijo.

En 1921, Paul Hindemith dirige los ensayos de su última ópera. La escritura orquestal abunda en disonancias y los músicos, con cierto enojo, tratan de exagerar las asperezas armónicas. El joven compositor detiene el ensayo y les habla: “Aun cuando suena bastante mal, todavía no está bien. Quiero que suene peor”. Algo bastante adecuado para una obra llamada Sancta Susanna, que concluía con una monja desnudándose, presa de incontenibles deseos sexuales, frente a un crucifijo.

En la misma época, el autor componía una de sus obras maestras: la Música de cámara nº 1, escrita para dos violines, cello, contrabajo, flauta, clarinete, fagot, trompeta, dos percusionistas, piano y acordeón. Y una suite para piano donde incluía al ragtime entre sus movimientos. Y una Sinfonietta en broma donde se burlaba del mismísimo Brahms. Casi nada de ese período se toca actualmente. Casi nada se recuerda. La culpa, por supuesto, es del propio Hindemith, que se arrepintió de todo, que nunca reconoció su pasado y que, ya prohibido por el nazismo, radicado en Estados Unidos, convertido en abanderado de la gebrauchtmusik (música utilitaria) primero y de la nueva objetividad después, se dedicó a tratar de convertirse en una dudosa reencarnación conservadora de Bach, en plena segunda mitad del siglo XX.

El mejor Hindemith, sin duda, está en esa juventud expresionista en que escribió, además del tríptico operístico bizarro, una extraordinaria serie de canciones titulada La muerte muerta, la pantomima El demonio y su notable ópera Cardillac. Además de la iconoclasia, de un salvajismo rítmico que lo acerca a Stravinsky y de su evidente placer por los rincones más violentos de la tensión armónica, en esas obras se verifica una de las características más personales e interesantes de toda la música del siglo pasado. Hindemith solía concebir los distintos movimientos de una obra como complementarios entre sí. Cada uno de ellos exploraba parámetros y posibilidades totalmente diferentes. Pero la originalidad no terminaba allí. En muchos casos eran obras completas las que se articulaban como partes de un mismo relato. Cada una de las tres óperas breves trabaja un clima particular que es excluido de las otras dos.

Atacado públicamente por Goebbels como “atonal creador de ruidos” y casado con una judía –Gertrud Rottenberg–, Hindemith eligió un mal año, además, para completar una ópera en la que revalorizaba la figura de Matías Grünewald, un pintor que no sólo había anticipado, en el Renacimiento, rasgos del expresionismo, sino que había participado de una revuelta campesina contra el emperador. En 1934, el año siguiente al del ascenso de Hitler al cargo de canciller –en elecciones ganadas por abrumadora mayoría–, Hindemith sólo pudo estrenar una Suite sinfónica de Matías el pintor, que terminaría siendo su obra más conocida. La ópera completa se estrenó en 1938, en Suiza, donde vivió hasta 1940, en que se radicó en Estados Unidos.

Condenado por la vanguardia como el más conservador de los conservadores, se dio el lujo de ser el primero en escribir música para trautonium, un instrumento pionero de la electrónica.

Fragmentos de la nota de Diego Fischerman
Buenos Aires-Argentina, 05 Setiembre 2004
http://www.pagina12web.com.ar/suplementos/radar

Cabaret Voltaire

dadá naciÓ de una exigencia mOral, de una vOluntad implacable de alcanzar una absOluta mOral, y del sentimientO prOfundO de que el hOmbre.......en el centrO de tOdas las creaciOnes del espíritu.........debía afirmar su preeminencia sObre las nOciOnes empObrecidas de la sustancia humana.........sObre las cOsas muertas y sObre lOs bienes mal adquiridOs.

Dadá está contra la belleza eterna
Dadá es antiartístico, antiliterario y antipoético

Dadá está contra la eternidad de los principios
contra la inmovilidad del pensamiento
contra la pureza de los conceptos abstractos
contra las leyes de la lógica.

"Dadá no es nada.
Estamos en contra de todos los istmos... no buscamos nada...
escribo un manifiesto y no quiero nada; digo no obstante, ciertas cosas,
y estoy por principio en contra de los manifiestos!" Tristán Tzara.

La belleza del fracaso El fracaso de la belleza

La belleza del fracaso Anarquía y deseo en la obra de arte actual
Es título de la exposición en la Fundación Joan Miró de Barcelona.
150 obras, entre dibujos, pinturas, esculturas, fotografías e instalaciones,
de un periodo que comprende desde finales del siglo XIX hasta nuestros días.
Una exposición comisariada por Harald Szeemann.
www.ubicarte.com
www.bcn.fjmiro.es
del 28 de mayo -24 de octubre de 2004